El arte   SIGLOS XVI-XVII

El renacimiento:

Renacimiento es el nombre dado a un amplio movimiento cultural que se produjo en Europa Occidental durante los siglos xv y xvi. Fue un período de transición entre la Edad Media y los inicios de la Edad Moderna. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes, aunque también se produjo una renovación en las ciencias, tanto naturales como humanas. La ciudad de Florencia, en Italia, fue el lugar de nacimiento y desarrollo de este movimiento, que se extendió después por toda Europa. El Renacimiento fue fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo. El término «renacimiento» se utilizó reivindicando ciertos elementos de la cultura clásica griega y romana, y se aplicó originariamente como una vuelta a los valores de la cultura grecolatina y a la contemplación libre de la naturaleza tras siglos de predominio de un tipo de mentalidad más rígida y dogmática establecida en la Europa medieval. En esta nueva etapa se planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, con nuevos enfoques en los campos de las artes, la política, la filosofía y las ciencias, sustituyendo el teocentrismo medieval por el antropocentrismo.

Pintura escultura y arquitectura

Características:

• Evocación de lo antiguo, cuya belleza idealizada pretendían tomar como ejemplo.
• Observación viva de la naturaleza. Los cuadros se sitúan en paisajes naturales que se intentan recrear con fidelidad, o en marcos arquitectónicos, en los que columnas, frontones, palacios y templos sirven de excusa a alardes de perspectiva.
• La figura humana se convierte en centro y medida de todas las cosas. El estudio de la anatomía, incluso la realización de autopsias, ayuda a los artistas a comprender la realidad del cuerpo humano y sus mecanismos de movimiento, de manera que lo representan de forma más realista pero normalmente, idealizada.
• Dominio de la perspectiva, y de las técnicas compositivas.
• Los efectos de luces y sombras como el claroscuro o la grisalla. De ahí técnicas nuevas como el esfumado (efecto brumoso, técnica en la que destacó Leonardo da Vinci).
• Continúan realizándose decoraciones murales al temple y al fresco.
• Se extiende el uso del lienzo, que es más económico que la tabla. Los grandes retablos, en que cada cuadro es parte de un tema más amplio, pierde presencia, en favor del cuadro único, bien como tabla de altar, bien como lienzo. Se adopta de manera casi exclusiva la pintura al óleo. Jan Van Eyck sin haberla inventado, mejora la técnica de la pintura con este material. En Italia, sin embargo, se conserva la pintura sobre tabla y la técnica del temple en la pintura llamada ≪de caballete≫. Es principalmente en Venecia donde, por influencia flamenca, se introduce el uso del óleo.³
• Si en la Edad Media la pintura fue de manera casi exclusiva religiosa, en el Renacimiento se introducen nuevos temas, como los mitológicos, alegorías y temas históricos. Aparece el desnudo, no por sí mismo sino en el marco de una pintura de naturaleza por ejemplo mitológica. Siendo la iglesia católica uno de los principales mecenas de la época, no dejan por ello de pintarse cuadros religiosos. Se cultiva con extraordinario vigor el retrato con maestros como Tiziano o Antonio Moro. En esta época empiezan, tímidamente, otros géneros considerados menores, como el paisaje o el bodegón, entendidos en el Renacimiento como un elemento subordinado frente a la historia, algo accesorio.

Leonardo da Vinci

Leonado di ser Piero da Vinci  fue un pintor italiano nativo de Florencia. Notable polímata del Renacimiento italiano (a la vez anatomista, arquitecto, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista) nació en Vinci el 15 de abril de 1452 y falleció en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años, acompañado de su fiel Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas. 

La Gioconda

Miguel Ángel Buonarroti 

La madre de Miguel Ángel murió cuando él tenía seis años. Aproximadamente a los 10 años fue a Florencia y a los 13 se convirtió en aprendiz en el taller de Domenico Ghirlandaio. Asistió a la Escuela de Escultura de los Jardines Medici bajo la tutoría de Bertoldo di Giovanni, un alumno de Donatello. Allí estudió la escultura de los griegos y romanos y escuchó las enseñanzas de Ficino en el palacio de Lorenzo de Medici. Pasó la mayor parte de su vida en Florencia. A los 60 años dejó Florencia y se trasladó a Roma. Miguel Ángel fue el escultor más grande del Renacimiento y sus pinturas son comparables con las de Leonardo y Rafael. Entre sus obras más importantes se encuentran los frescos del techo de la Capilla Sixtina y el Juicio Final detrás del altar, sus esculturas de David, los dos Esclavos Moribundos, las tres Pieta y las figuras para las tumbas de Julio II y los de los medici

Tiziano (1485-1576)

Su nombre fue Tiziano VecCellio. Es reconocido como el más grande pintor veneciano del Renacimiento. Aprendió su oficio en los talleres de Gentile y Giovanni Bellini y durante un breve período recibió una fuerte influencia de Giorgione. Uno de sus protectores fue Alfonso d’Este, duque de Ferrara, para quien pintó su famoso Buco y Aríadna.

Filippo Brunelleschi  (1377-1446)

Nació en Florencia y estudió escultura. Después de perder frente a Ghiberti el concurso para diseñar las puertas del Baptisterio de Florencia, se trasladó a Roma junto con su amigo Donatello. Allí dibujaron y midieron todas las ruinas antiguas que encontraron

A los dos se les conocía risueñamente conde “los buscadores de tesoros” Cuando regresó a Florencia, Brunelleschi fue comisionado para construir la cúpula de la Catedral, que fue probablemente su mejor trabajo. Controló cada detalle de la construcción y el decorado. Sus ideas sobre la arquitectura clásica tuvieron influencia sobre los artistas y arquitectos de la época y se convirtió en una de las principales figuras del Renacimiento. 

Arquitectirura

El templo de Nuestra Señora de la Consolación (en italiano, tempio di Santa Maria della Consolazione) es un importante lugar de culto católico de la pequeña localidad de la provincia de Perugia de Todi, que está fuera de las murallas del siglo XIII de la ciudad. Obra arquitectónica de importancia internacional, se considera uno de los edificios-símbolo de la arquitectura renacentista con su pura interpretación bisimétrica de la planta centralizada. Su construcción se inició en 1508 y terminó después de cien años. Llegando de Orvieto, la iglesia es visible en la distancia antes de entrar en la ciudad. Su arquitectura clásica se opone a la del casco antiguo, de carácter medieval.

Cupula de santa maria dei fiori⇒Se trata de una cúpula apuntada y rematada por una gran linterna, con una estructura realizada con ladrillos, sobre una base octogonal y compuesta de dos cascarones paralelos.

*.-Tanto el interior como el exterior son apuntados siguiendo un arco con un radio de 6/7 del diámetro del octógono inscrito en su base. Como la capa interior, al tener un radio menor, se cierra antes, la anchura de la segunda capa aumenta con la altura.
*.- La diferencia de radios de curvatura contribuye a que las fuerzas se distribuyan siguiendo una curva llamada de pétalo de flor, con un punto de máximo tensión en el cual colocó un anillo de refuerzo con vigas de madera.
*.- Entre ambas capas se encuentra la capa de aire con los nervios y anillos que forman la estructura de la cúpula. Esta capa vacía permite aligerar casi en un tercio el peso total de la cúpula, así como la existencia de dos galerías que permiten acceder a la linterna. La combinación de las tres capas y la forma apuntada permite una reducción de peso de casi un 45 % respecto a una cúpula semiesférica. Desde el punto de vista mecánico y dinámico las tres capas actúan como una sola.

 La cúpula pesa entre 25.000 y 27.000 toneladas, un 10,5 % del cual es el peso de la linterna. Se trata de la mayor estructura de ladrillo del mundo, construida con ladrillos romanos, de muy buena calidad, y fabricados bajo la estricta supervisión de Brunelleschi. Todos tienen un grosor de 5,1 cm y un largo entre 15,2 y 30 cm.
*.- Se utilizó la piedra en la base de las capas interna y externa. Estos anillos de piedra deberían haber alcanzado una altura equivalente a la tercera parte de la altura total de la cúpula; pero Brunelleschi, una vez conseguido el control absoluto de la obra, paralizó las hiladas de piedra cuando todavía no habían alcanzado la mitad de la altura prevista. Los modillones que sobresalen servían para apoyar los andamios durante la construcción.
*.- La cúpula está formada por 24 nervios de ladrillos dispuestos en forma de espina de pez. Los ocho que recorren los vértices de la cúpula, son los nervios principales, ya que recogen el peso de la estructura. Dos nervios más por cara ayudan a repartir el peso de la cúpula. Este total de 24 nervios parten de un anillo de piedra y ladrillo en la base de la cúpula, el cual recoge sus esfuerzos y los transmite al tambor.
*.- Paralelamente al anillo de la base, hay once anillos formados por arcos de ladrillo entre nervio y nervio, que distribuyen las fuerzas tangenciales de manera uniforme y transmiten el peso de las estructuras a los nervios.

El templete de San Pietro in Montorio⇒

El templete de San Pietro in Montorio (1502)

La historiografía suele afirmar  que el pleno clasicismo italiano del siglo XVI  llegó a su momento culminante con las obras  de Bramante en su estancia en Roma siendo dos de las obras más importantes  la Basílica de San Pedro del Vaticano  y el templete de San Pietro in Montorio, 1502.

Se trata de un templo de planta circular rodeado de 16 columnas  de orden toscano. Estas columnas alzadas sobre sobre un alto pedestal o basamento, sostienen un friso con triglifos y metopas con bajorrelives alusivos al martyrio de San Pedro, el pequeño templo está coronado con una cúpula semiesférica sobre tambor rematada a su vez por la esfera y la cruz simbolos por excelencia de la cristiandad

En esta obra codifica de una manera práctica en su obra, una autentica normativa clásica  en busca de la belleza ideal arquitectónica que halló en el empleo de las proporciones, de las relaciones establecidas con cada una de las partes, en la aplicación de la estricta simetría a semejanza del cuerpo humano.

El templete de San Pietro en Montorio, cuya construccion fue sufragada por los Reyes Católicos, se realiza a la vieja aspiración de los viejoa quattrocentistas  a modo de realizar un estructura centralizada a modo clásico que tanto preocupo a Brunelleshi.

Este edificio fue realizado en proporciones que se atienden a las medidas del cuerpo humano y cumple una función un poco más que escultórica ya que su función viene a ser figurativa, conmemorativa. Esta obra goza de las siguientes carácterísticas que buscan el clasicismo clásico  como lenguaje universal único y sin tiempo, y se nombran las mas importantes:

• Simetria estricta
• Racionalidad
• Regularidad
• Las medidas de las proporciones
• El juego de luces y sombras  asi como el de las masas y los vanos
• El empleo del orden dórico toscano
• Los nexos establecidos entre las matemáticas  y la geometria

Escultura

El David de Miguel Ángel ⇒

La solicitud de la escultura, en un inicio fue con motivos religiosos y se pretendía que fuera colocada en los contrafuertes o estribos de la Catedral, pero al ser terminada pasó a manos del Gobierno de la República de Florencia, una vez que se decidió que la figura de David podría simbolizar la virtud del buen gobierno y la defensa de la patria. En esta época los Medici habían sido ya expulsados de Florencia y Niccolò Machiavelli era el secretario de la segunda cancillería de la Republica (hoy 

Después del trabajo de preparación que incluyó muchos bocetos y pequeños modelos de cera, en 1502 Miguel Ángel comenzó a tallar el mármol, trabajando solo, de pie en un andamio que rodeaba el gran bloque. Para enero de 1504 la estatua fue terminada y fue considerada tan maravillosa y extraordinaria que se decidió reunir un comité del que Leonardo da Vinci formaba parte para decidir dónde colocarla.

Fue así que los florentinos decidieron poner al David de Miguel Ángel enfrente del Palacio de la Signoria, y fue clocada el 8 de septiembre de 1504, y permaneció ahí hasta julio de 1873.

David y Goliat

El tema fue tomado de la Biblia y había sido realizada por otros grandes escultores florentinos del Renacimiento como Donatello, Ghiberti y Verrocchio, pero  siempre habían representado a David como un adolescente, después de haber  decapitado al gigante Goliat. Miguel Ángel en su lugar decidió representarlo en el momento previo al enfrentamiento, David un hombre joven (ya que en la Biblia está escrito que tenía 16 años) sostiene en su mano derecha la piedra y una honda apoyada sobre su hombro izquierdo, listo para golpear al gigante. La tensión del joven pastor frente al terrible enemigo que nadie se había atrevido a desafiar antes, está representada por Miguel Ángel con hermosos detalles: una intensa expresión de sus ojos, los músculos contraídos que hacen que parezca como si estuviera conteniendo la respiración, y las venas en relieve, donde parece que realmente corriera la sangre.

La colocación de la estatua en la Plaza de la Signoria, enfatizaba el significado político más que el religioso, el David se convirtió en el símbolo de la libertad florentina contra los poderosos enemigos de la época. Frente al Palacio de Gobierno la estatua de David representaba la virtud y el coraje de Florencia, como la estatua de un héroe griego, retratado en plena desnudez y en la posición clásica de “contrapposto” con la pierna y el brazo derecho tenso y la pierna izquierda con un ligero paso hacia enfrente y el brazo doblado sujetando la honda, lo que da una sensación de vida y movimiento a la figura. El David de Miguel Ángel realmente representa la belleza antigua del renacimiento, pero con un significado completamente actual.

De acuerdo con algúnos  testimonios de sus contemporáneos, Miguel Ángel estuvo 18 meses esculpiendo para crear una de las esculturas más importantes del mundo, trabajando sin ayuda y escondido detrás de unos tablones de madera que rodeaban la pieza, en modo que nadie pudiera ver la estatua antes de que estuviera terminada. Fue pagado con 400 ducados que en ese tiempo era mucho, pero sobre todo, con esta obra maestra se hizo famoso en toda Italia y también en las cortes Europeas, y hoy en día es famoso en todo el mundo.

El arte barroco no careció de escultores, aunque no muchos fueran tan magníficos como los del Renacimiento, si que hubo uno, Gian Lorenzo Bernini que fue digno sucesor de Miguel Ángel. Los escultores barrocos, trabajaron principalmente decorando las fachadas y edificios de la arquitectura barroca y realizando estatuas para mostrar imágenes religiosas.

Barroco temprano y alto barroco. 1600-1675

Dominados por la carrera de Bernini, el principal escultor del arte barroco. Su magnífico “Cathedra petri” que consiste en un trono rodeado de decoración escultural es el punto máximo en la escultura barroca y se caracteriza por su extravaganza. Otra de las estatuas destacadas de Bernini es el Éxtasis de Santa Teresa. Para saber más de Bernini, pincha aquí.

Apolo y Dafne – Bernini